Por minha procura sobre Lakune, achei muito difícil de se encontrar informação sobre tal. Pois assim, deixo logo abaixo contatos que provavelmente irão direto a ela.
E digo mais, ela sabe fazer muito bem isso, um trabalho profissional e com qualidade.
https://www.facebook.com/MissLakune
Arte da transfiguração de Olivier de Sagazan transita entre o sofrimento, vida e morte.
|
Por mais de 20 anos, Olivier de Sagazan desenvolveu uma prática híbrida que integra pintura-ing, fotografia, escultura e performance. Em sua Transfiguração série existencial performativa, que começou em 2001, Sagazan constrói camadas de argila e pintura em seu próprio rosto e do corpo para transformar, desmontar e desfigurar seu rosto, revelando humano animalesco ano que está a tentar romper com o mundo físico. Ao mesmo tempo inquietante e profundamente comovente, este novo corpo de trabalho recolhe as fronteiras entre físicos, sentidos intelectual, espiritual e animalesco.” Estou interessado em ver o que as pessoas acha o que é normal, ou até mesmo banal, de estar vivo” Olivier de Sagazan foi amplamente Exibido em França e na Europa, Canadá, Brasil, Coréia, em galerias de arte, museus e cinema festivais. Com um comentário Quase cult online, e rave sobre seu estilo expressivo e inimitável, não é de admirar a Sagazan de “arte corporal” notável trabalho é apresentado no filme Samsara não-verbal, a sequela de Baraka dirigido por Ron Fricke. |
||||||||||
Veja uma performance altamente bizarro no vídeo abaixo ↓
Fonte: http://nefdesfous.free.fr/
Com todo o respeito aos japoneses, mas só com a paciência, disciplina e concentração típicos do povo de olhinhos puxados para conseguir criar obras espetaculares como estas! Estou falando das inacreditáveis instalações e esculturas de Motoi Yamamoto feitas de, sal! Elemento bastante representativo nos rituais funerários japoneses, ele é a matéria-prima do artista que passou a usá-lo como forma de aliviar a dor pela perda de sua irmã mais nova e assim homenageá-la. Motoi começou suas maravilhosas obras em 2001 e usando apenas uma garrafa plástica que serve para polvilhar o sal pelo chão, e as mãos, obtém os resultados que você confere abaixo. Além das instalações meticulosamente criadas e que podem exigir por exemplo, duas semanas de trabalho com 14 horas diárias, ele também faz escadas de sal (Utsusemi). A ideia é fazer um comparativo do quão somos frágeis perante os terremotos. Para demonstrar isto, após terminar cada escadaria ele simula um pequeno tremor para que os visitantes de suas exposições possam ver esta destruição. “Salgadamente legaus”!
Particularmente, essa me da até desespero só de imaginar ele construindo >.<
Fonte: http://www.motoi.biz/
http://www.advivo.com.br/blog/luisnassif/as-esculturas-de-sal-de-motoi-yamamoto
Mikko é fotógrafo autodidata da Finlândia.
Começou a fotografar em dezembro de 2008. Desde então se apaixonou por fotos.
“Estou constantemente a tentar encontrar novas maneiras de ver o mundo.”
Fonte: http://www.flickr.com/people/latyrx/
Criação de uma obra de arte é um processo tão delicado que pode se sentir como se a cada passo é como caminhar sobre ovos. Imagine como intenso o processo seria se os ovos eram literalmente sua tela.
Franc Grom produz esculturas belas e semelhante a renda em cascas de ovos, inspirado pelo design esloveno tradicional. Cada ovo contém 2.500 a 17.000 pequenos buracos feitos com uma ferramenta elétrica pequena chato. Grom chama de seu marfim casca primas ovos de Páscoa.
Grom da atenção aos detalhes acentuando a natureza delicada da casca do ovo, criando vasos frágeis que se acendem de dentro.
fonte: http://www.huffingtonpost.com/2012/06/15/franc-grom_n_1598055.html
Artista Russ Mills cria estas imagens surpreendentes usando uma grande variedade de métodos tradicionais, incluindo pintura e desenho com tinta e lápis, mas também utilizando texturas digitalizadas, incluindo manchas de tinta (ou “desastres pintura”, como ele os chama), bem como de fotografia. As pinturas resultantes são escassos na cor, mas parecem conter quantidades explosivos de energia como mostrado nas escovas ásperas de tinta e os traços de lápis quase perfeitamente maníacos.
Russ Millas diz:
Meu trabalho habita em um submundo entre arte urbana e gráficos contemporâneos, uma colisão de mídia real e digital é principalmente ilustração baseada com uma base sólida em desenho, eu foco principalmente na forma humana especialmente o rosto, misturando elementos do reino animal muitas vezes reflectindo o absurdo da natureza humana.
Fonte: http://www.thisiscolossal.com/2012/06/digitally-assembled-paintings-by-russ-mills/
Na arte já existiram grandes nomes que permanecem até os dias de hoje como referências principais para os artistas modernos, isso porque nos dias atuais não se criam mais estilos depinturas, mas se copiam os antigos que já foram criados, pois está se acabando a “arte clássica” onde tudo era bem certinho, agora as pinturas são de acordo com que o pintordeseja se expressar.
Um estilo de pintura que ainda exige grande fidelidade do artista é a arte realista, pois através dela o pintor deve mostrar ao público algo que seja real, com traços fiéis e com alta qualidade nos efeitos aplicados, assim com tudo proporcionar um rápido entendimento de quem a vê.
Um grande artista que trabalha com obras realistas é o não muito conhecido Tjalf Sparnaay, um pintor holandês que pinta quadros realistas com a principal inspiração em alimentos. Os ricos detalhes de seus trabalhos chamam a atenção de todos, pois suas técnicas possuem um grau de dificuldade muito alto, veja alguns de seus trabalhos:
Fontes: http://www.pinturasemtela.com.br/a-arte-realista-de-tjalf-sparnaay/ e http://www.tjalfsparnaay.nl/actueel.html
Artista australiano Guy Whitby inspira-se na “transição global para o digital” por seus retratos pixelated não convencionais.
O artista recria a imagem de celebridades influentes, músicos e figuras políticas, reunindo botões variados encontrados no teclado comum, calculadoras e telefones…
Usando sua mão hábil na manipulação de foto, ele produz cada peça com muita atenção a cada tecla perfeitamente alinhados, que serve como um único pixel.
Em vez de ficar preguiçoso e utilizando a mesma forma em cada slot quadrado, simplesmente atribuindo o espaço de uma cor diferente, o artista utiliza a variedade de botões encontrados em um mix diversificado de dispositivos e projetos.
O resultado é uma muito impressionante, corpo demorado de trabalho. Whitby tem cerca de 1.000 imagens feitas de teclas de computador e uma mistura de botões analógicos e digitais, além de retratos feitos de botões reais.
Fonte: http://www.mymodernmet.com/profiles/blog/list?tag=Guy+Whitby
Você provavelmente já viu alguns desses trabalhos por aí… e se você gosta de artes cheias de criatividade, cores e senso de humor, acredito que provavelmente tenha gostado do que viu e tenha se perguntado quem era o artista por trás daquelas peças. Então vamos apresentar a vocês Denis Zilber, um ilustrador/animador muito talentoso de Ramat Gan, Israel que tem trabalhos muitos legais em seu portfolio. Seu estilo caricatural faz com que seja divertido apreciar seu trabalho.
E este ano de 2012, estará ma Pixel Show em São Paulo.
Veja mais: http://deniszilber.blogspot.com.br/ e http://www.deniszilber.com/
Fonte: http://abduzeedo.com.br/ilustra%C3%A7%C3%B5es-criativas-de-denis-zilber
O artista indonésio Eddi Prabandono criou uma escultura modelada em barro da cabeça de sua filha de 5 anos, Luz. Os turistas que passeiam por Taman Budaya Yogyakarta, em Yogyakarta, Indonésia, ficam surpresos ao ver uma cabeça de criança medindo mais de 4 metros feita de argila, em um buraco de 2,5 metros de profundidade. Não é exatamente o tipo de visão que normalmente se vê na Indonésia, mas é definitivamente um pouco estranho ademais de artístico.
Parte da “Luz Series” imaginado pelo artista Eddi, a cabeça gigante em questão é realmente um pós modelamento da cabeça de sua filha, Luz. Embora tenha contado com a ajuda de 15 funcionários, Eddi também precisou alugar uma escavadeira para fazer o buraco para a sua escultura de barro gigante, mas o artista de 47 anos está feliz por ter recebido o apoio das autoridades locais, que permitiram cavar um buraco no Taman Budaya Yogyakarta.
A cabeça gigante Luz foi feita com 25 toneladas de argila especial e foi criada para a edição de 2011 da Art Jog, uma exposição artística com 241 obras de arte de mais de 150 artistas.
Questionado sobre o significado de sua escultura, Eddi Prabandono disse que significa o peso do futuro dos nossos filhos terão de enfrentar, a julgar pelos problemas que enfrentamos hoje (crise econômica, tsunamis, desastres nucleares, etc).
Parabéns pela disposição
O chinês Huang Guofu, agora com 42 anos, perdeu os dois braços após um gravíssimo choque elétrico quando tinha apenas quatro anos de idade, mas isso não o impediu de perseguir os seus sonhos. Em vez disso, com 12 anos, começou a pintar com os pés.
Quando Huang atingiu a idade adulta, o seu pai ficou doente. Para poder pagar os tratamentos do seu pai, ele teve de abandonar a escola e decidiu tornar-se um pintor. Inicialmente, Huang tentou vender as suas pinturas nas ruas, mas logo percebeu que as suas pinturas tinham uma certa falta de técnica, e muitas das pessoas que compraram o seu trabalho apenas o fizeram por simpatia. Apesar da sua falta de conhecimento técnico sobre pintura, isso não impediu Huang Guofu de continuar a lutar e descobrir que com um pincel na boca ele até que tinha bons resultados artísticos.
Huang certa vez disse: “Quando a vida fecha uma porta para você, ela abre uma outra ao mesmo tempo. Eu quero que a nova geração saiba que não existem obstáculos reais na vida.”
(Imagens imensamente difícil de se encontrar com qualidade, mas estão ai)
Bruno Marafigo é um ilustrador brasileiro de Curitiba
“Eu tenho uma certa obsessão em tentar colocar sentimentos no papel, não é nem tanto pela técnica mas pelo que é possível evocar no observador.”
Uma história para vocês
Nascido em Xangai de 1980.
Durante dez anos de sua vida, ele foi ensinado com a pintura tradicional chinesa, caligrafia e várias formas de arte.
Yang Yongliang é um artista que gosta de misturar tradicionais paisagens chinesas com retratos da vida moderna urbana. A mistura é surpreendentemente interessante.
Suas exposições: http://www.parisbeijingphotogallery.com/main/yangyongliang.asp
http://www.parisbeijingphotogallery.com/main/yangyongliang.asp
Na exposição “Arte da Juventude” em Geelong, Austrália, a artista criou uma instalação super bacana, chamado “Peel Your Eyes”. Iluminadas por baixo, com apenas uma luz branca, 1.000 borboletas de origami estão incrivelmente subindo até o teto.
Chamado de “Alis Volat Propis” (ou “Ela voa com suas próprias asas”), a instalação é dedicado à mãe do artista, que perdeu sua mãe quando ela era jovem.
http://www.mymodernmet.com/profiles/blogs/taegan-roberts-she-flies-without-wings
Depois de terminar a faculdade, Samura deixou os estudos e resolveu tentar a carreira de Manga-ka (autor de mangá). Após vencer um concurso na revista japonesa Afternoon da editora Kodansha, Samura tornou-se um desenhista brilhante e tornou sua arte uma das mais ousadas.
Blade foi premiado em 1998 com o nono Media Arts Award, um importante prêmio promovido pela agência de cultura, um órgão criado pelo Ministério da Educação do Governo Japonês. Este prêmio foi criado para encorajar e recompensar a criação de trabalhos que se destacam por difundir a cultura e a história do Japão, e no caso dos mangás, por extrapolar os limites da expressão artística.
O fantástico artbook de Blade Hiroaki Samura também conhecido como The Love of the Brute, é de se chocar, Definitivamente não é aconselhado a menores.
Aqui é uma pequena parte de seu trabalho.
Mais imagens, confiram!!!!: http://drtenge.com/excess/update5/Hiroaki%20Samura/
Fonte: http://anime-max-anime.blogspot.com.br/2009_08_01_archive.html
http://anime-max-anime.blogspot.com.br/2009_08_01_archive.html
Desde sua infância, Andrew Myers foi artisticamente influenciado pela vida e cultura europeias.
O artista é conhecido por suas esculturas figurativas que misturam materiais modernos – como bronze, pregos, sementes, vidro temperado e outros – com uma técnica clássica figurativa. Suas obras carregam uma narrativa única e um comentário social, e são de uma peculiaridade indiscutível.
Fonte: http://www.lote75.com.br/2012/06/29/andrew-myers/
http://www.andrewmyersart.com/#/home
https://www.facebook.com/pages/Andrew-Myers-Art/194937983862653
Apartir de objetos comuns Maskull Lasserre extrai arte. Este artista canadense explora o potencial inesperado do cotidiano contido nas coisas que carregam algum valor social, elementos de nostalgia, de alegoria, de humor e até do macabro. São incorporações novas da arte no objeto que induzem a estranheza e levam a uma curiosa viagem da pré-presença das esculturas.
Artista: http://maskulllasserre.com/home.html
Fonte: http://olavosaldanha.wordpress.com/a-escultura-de-maskull-lasserre/
Delicadeza e sensibilidade são as duas palavras que definem o trabalho da artista australiana Lisa Rodden. A partir de cortes e dobras no papel, ela colore a parte inferior de cada um deles e, quando reveladas a partir das dobras, formam belíssimas esculturas construídas com muita paciência e talento.
As esculturas são tridimensionais quando vistas de um determinado ângulo ou dependendo da projeção de luz.
Saiba mais: http://www.lisarodden.com/
Fonte: http://zupi.com.br/arte-do-papel-cortado-por-lisa-rodden/
Um artista profissional que desenha e pinta imagens de livros, revistas e praticamente qualquer coisa que é de seu agrado.
Recentemente ele vez um trabalho para a nike…
Saiba mais: www.timothybanks.com
Fonte: www.timothybanks.com
Doug Landis teve paralisia do pescoço para baixo quando ainda era pequeno.
Seu irmão, vendo Doug em depressão, teve a iniciativa de despertar em Landis o desejo de desenhar. A melhora foi significativa, Landis começou a desenhar e retomar o gosto pela vida. Ele pode ter perdido muito de sua liberdade física, mas conseguiu libertar seu espírito.
Fonte: http://www.mouthart.com/mouthart/ e http://euevcfazendoarte.blogspot.com.br/2011/06/voce-ja-ouviu-falar-doug-landis-olhe.html
Vinicius Betton mora em São Paulo e nasceu em 6 junho de 1980. Escultor, pintor… ><
Não sei muito sobre ele, mas vale a pena conferir.
Ver mais obras e contato acesse:
Esqueça as mais conhecidas e famosas marcas de câmeras fotográficas existentes no mercado. A americana Spectral Instruments acaba de lançar a câmera 1110 Series. Com o equipamento é possível fotografar o Sol e as estrelas durante o dia.
De acordo com o site Dvice, o dispositivo possui sensor CCD de 112 megapixels em preto e branco. Isso significa imagem de alta qualidade e ótima sensibilidade à luz. O sensor mede 95 x 95 milímetros, ou seja, um tamanho atípico, mas essencial para capturas deste tipo.
A câmera é direcionada a qualquer tipo de fotógrafo, profissional ou não. O intuito é usá-la para fotografar a vida real, o que inclui paisagens, pessoas e coisas diversas.
Mas, para ter uma dessas, é preciso meter a mão no bolso. A super máquina custa em torno de US$100 mil.
Esqueça as mais conhecidas e famosas marcas de câmeras fotográficas existentes no mercado. A americana Spectral Instruments acaba de lançar a câmera 1110 Series. Com o equipamento é possível fotografar o Sol e as estrelas durante o dia.
De acordo com o site Dvice, o dispositivo possui sensor CCD de 112 megapixels em preto e branco. Isso significa imagem de alta qualidade e ótima sensibilidade à luz. O sensor mede 95 x 95 milímetros, ou seja, um tamanho atípico, mas essencial para capturas deste tipo.
Neste post irei falar de tênis personalizados. Existe desde industriais, esses quais geralmente é limitado, que geralmente são de bandas, jogos, entre outros. Mas como já disse, são poucos e por isso são caros.
Porém se você não quiser pagar o preço que geralmente são salgados, faça você mesmo. Geralmente são usados tinta de tecido, mas você também pode usar canetinhas, apliques de outros tecido e, o que sua imaginação puder criar.
Hieronymus Bosch, Pintor do século XV e XVI, renascentista, que parece mais um surrealista.
Se especula que o pintor teria pertencido a uma das muitas seitas que na época se dedicavam às ciências ocultas.
As obras de Bosch demonstram que foi um observador minucioso bem como um refinado desenhista e colorista.
Ele pintou uma série de composições fantásticas e diabólicas onde são apresentados, com um tom satírico e moralizante, os vícios, os pecados e os temores de ordem religiosa que afligiam o homem medieval na época.
O Surrealismo foi um movimento artístico e literário nascido em Paris na década de 1920. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas do psicólogo Sigmund Freud, o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Um dos seus objetivos foi produzir uma arte que, segundo o movimento, estava sendo destruída pelo racionalismo. A palavra surrealismo supõe-se ter sido criada em 1917 pelo poeta Guillaume Apollinaire (1886–1918), jovem artista ligado ao Cubismo. O Surrealismo sempre foi uma tendência controversa na história da pintura. Tanto é venerada pelo seu aspecto fantástico e temática delirante, que agrada facilmente, convenhamos, que tem suas exceções. Segundo os surrealistas, a arte deve se libertar das exigências da lógica e da razão e ir além da consciência cotidiana, buscando expressar o mundo do inconsciente e dos sonhos. 
Para o bem ou para o mal, a pintura surrealista parece estar de volta pela mão do artista russo Vladimir Kush, criando imagens paradoxais e fantásticas de aspecto minucioso e realista. 
Mais do que um movimento estético, o surrealismo é uma maneira de enxergar o mundo, uma vanguarda artística que transcende a arte. Busca restaurar os poderes da imaginação, castrados pelos limites do utilitarismo da sociedade burguesa, e superar a contradição entre objetividade e subjetividade, tentando consagrar uma poética da alucinação, de ampliação da consciência. 
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Surrealismo e http://obviousmag.org/archives/2007/09/vladimir_kush_s.html
Arte digital é aquela produzida em ambiente gráfico computacional. Tem o objetivo de dar vida virtual as coisas e mostrar que a arte não é feita só a mão. Existem diversas categorias de arte digital tais como pintura digital, gravura digital, programas de modelação 3D, edição de fotografias e imagens, animação, entre outros. Vários artistas usam estas técnicas. Ao contrário dos meios tradicionais, o trabalho é produzido por meios digitais. A apreciação da obra de arte pode ser feita nos ambientes digitais ou em mídias tradicionais. E Juan Carlos Barquet, 17 anos. Mora em Ciudad, no México. É um artista digital, e esbanje talento.
Existem diversas comunidades virtuais voltadas à divulgação da Arte Digital, entre elas, Deviantart, CGsociety e Cgarchitect.
Existem diversos softwares dedicados para geração de arte digital. Entre eles, os softwares proprietários e os softwares livres.
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_digital e http://www.hystericalminds.com/index.php?page=user&id=131
Andrew Lesnie nascido em 1956, em Sydney, Nova Gales do Sul, seu primeiro trabalho após a conclusão do curso da Australian Film Television and Radio School, deu oportunidades quase diárias de desenvolver habilidade, com poucas restrições sobre a variedade de histórias e situações, e experimentando técnicas de câmera e iluminação em centenas de locações.
Seu trabalho começou a chamar atenção após o filme Babe (1995). Ganhou o oscar de melhor fotografia em 2001 com o filme The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (Senhor dos Anéis: a sociedade do anel).
E junto com Lesnie, que formam um bom conjunto que em destaque o filme Um olhar do paraíso, Peter Jackson, o diretor do filme, onde sabe muito bem agradar, com vistosos efeitos visuais.
UM OLHAR DO PARAÍSO.
O azul e o amarelo predominam na paleta setentista de cores de Um Olhar do Paraíso. Estão em contraste tanto nas cenas pós-morte quanto na realidade . Até o cabelo descolorido e a lente de contato da personagem seguem esse esquema.
Teoricamente, são tons complementares: o azul transmite calma, o laranja/amarelo, energia.
Enfim, o final trás um resultado satisfatório. Este filme proporciona um viagem para outro lugar, o surreal empregado nos cativa, e além das fotos que Andrew Lesnie mostra, existe vários campos à se explorar em tal.
Fonte: Omelete e wikipédia
Ilustrador japonês Shohei que combina arte tradicional com estilo moderno para criar imagens com uma clara influência de manga subterrânea e provocante, a maioria realizada em caneta preta, com linhas vermelhas. Seus desenhos incríveis, muitas vezes tocam em questões de Nippon tradição de um suicídio Geisha SM Samurai, não esquecendo os desenhos de mangás clássicos de luz a que acrescenta uma boa dose de sexo e violência.
Fonte: http://www.enkil.org/2009/08/08/shohei-otomo-provocadora-tradicion/ e http://rodrigopia.wordpress.com/2011/04/13/esferograficas-fantasticas-ilustracao/
Nicoletta Ceccoli é uma artista italiana que é conhecida por seus ricos detalhes no trabalho, de sonho.Nicoletta ilustrou muitos livros, principalmente na Itália, nos EUA e no Reino Unido.
Em 2001, Nicoletta foi galardoada com o prémio Andersen como melhor ilustrador italiano do ano.
Com o “prémio de excelência» de Comunicação Arts.In 2006 recebeu a medalha de prata da Society of Illustrator (Nova York).
Kris Kuksi, nascido 2 de março de 1973, em Springfield Missouri é um premiado artista norte-americano no gênero do realismo fantástico.Especializada em criação de complexas instalações artísticas, seu trabalho tem sido descrito como “um estudo na atemporalidade e complexidades, uma reminiscência de civilizações perdidas, divindades e ruínas – perfeitamente preservado ” otrabalho de Kuksi tem sido exibido em mais de 100 exposições no mundo todo, incluindo feiras de arte de satélite da Art Basel.
Cada escultura incorpora as marcas de sua filosofia e prática, ao servir como um testemunho da natureza multifacetada da percepção.
As obras requer um processo de reunião, coleta, manipulação, corte, e reforma de milhares de peças individuais, finalmente unido em uma coesão orquestral, como emenda que define a origem histórica e queda da civilização e prevê o futuro possível da humanidade.
Além de suas esculturas maravilhosas, á também pinturas e desenhos.
Fontes: Wikipédia e http://kuksi.com/
Toy art, designer toys, urban vinyl, etc, são vários termos que definem o conceito de “brinquedo de arte”. É um brinquedo feito para não brincar, dirigido para pessoas com idade acima de 14 anos – especialmente adultos – e com o intuito de colecionismo e/ou decoração. O toy art é, em síntese, uma “tela” em 3 dimensões para artistas e designers expressarem sua arte. Toy Art é manifestação contemporânea que se apropria do brinquedo para mesclar design, moda e urbanidade.
Porém, na prática não são brinquedos. Brinquedos comuns costumam serem produzidos aos milhões e suas séries são constantemente relançadas devido ao sucesso. Um toy art sempre terá tiragem limitada, numerada ou assinada, e não será relançado – a não ser se for criada nova versão de grafismo. Brinquedos são para crianças brincarem (posteriormente, destruir ou passar adiante). Um toy art é para um adulto ou adolescente colecionar, guardar e cuidar. Quando tem algum membro articulável, serve apenas para mudar a pose na exibição. A temática de um brinquedo é geralmente infantil, baseada em bichinhos, personagens famosos, de desenhos animados ou super-heróis. Os temas de um toy art podem ser meigos, violentos, subversivos, políticos, cômicos, criativos ou de linguagem urbana, underground, erótica, satírica, etc. O intuito do toy art é, como qualquer obra de arte, causar alguma reação no observador.
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Toy_art
obs: sinto muito pela escassez da matéria, pois tive problemas tecnicos.
Hayao Miyazaki é um dos mais famosos e respeitados criadores do cinema da animação japonesa.
Miyazaki nasceu no bairro Akebono, subdistrito Bunkyo, na cidade de Tóquio, em 5 de janeiro de 1941.
Em 1963, depois de três meses de treinamento, Hayao começa a trabalhar na Toei como intervalador, cuja função é animar com as guias enviadas pelos animadores-chefes, ou key animators. Seu primeiro trabalho é no longa-metragem Watchdog Bow Wow. Ao terminar o trabalho no filme, foi animador da série de TV Wolf Boy Ken.
Watchdog Bow Wow
Wolf Boy Ken
Em 1971, Hayao deixou a Toei, a partir desse período, Miyazaki fez diversas viagens ao exterior para comprar os direitos de algumas obras. Em 1982, enquanto trabalhava em seus filmes, Miyazaki escreveu e desenhou o mangá Kaze no tani no Naushika, mais conhecido internacionalmente como Nausicaä of the Valley of the Wind.
Em 1996, a Disney viu como o momento perfeito para aproveitar a qualidade e o sucesso que os filmes de Hayao Miyazaki faziam no oriente para garantir os direitos de distribuição dos filmes no ocidente, foi fechado entre a Disney e o Estúdio Ghibli o acordo conhecido como Disney-Tokuma.
Nausicaä of the Valley of the Wind
Assim, com o tempo, ele trouxe um dos mais belos filmes em animação, onde ganhou o Urso de Ouro no Festival de Berlim de 2002, além do Oscar de Melhor Animação em 2003 com Sen to Chihiro no Kamikakushi ou A viagem de Chihiro em português
A viagem de Chihiro
Além desses, ele fez sucesso com outras animações também, tais como:
Princesa Mononoke
Meu Vizinho Totoro
O Castelo Animado
Ponyo
Karigurashi no Arietty
Fontes: Wikipédia, http://cubo3.com.br/especial-studio-ghibli/ e http://www.ghibliworld.com/
Vicente José de Oliveira Muniz, mais conhecido como Vik Muniz, é um artista plástico, fotógrafo e pintor brasileiro radicado em Nova York, que faz experimentos com novas mídias e materiais.
Seu trabalho consiste na maioria em geleia, manteiga de amendoim, açúcar, arame, xarope de chocolate e diamantes. As de maiores proporções são esculpidas na terra ou feitas de enormes pilhas de lixo.
Em uma de suas séries, os compradores podiam encomendar por US$ 110.000 um dos retratos de chocolate “His & Hers” feitos por Muniz e receber uma reprodução fotográfica do trabalho também. Muniz doou o produto das vendas para o Centro Espacial Rio de Janeiro, uma organização de caridade que trabalha com arte para crianças e adolescentes pobres no Brasil. Segundo Muniz, “os pobres precisam de dinheiro. É preciso ajudá-los diretamente. Não acredito em arte política. Sensibilizar: você tem o jornal para isso”.
Em 30 de janeiro de 2010, o documentário “Lixo Extraordinário” sobre o trabalho de Vik Muniz com catadores de lixo em Duque de Caxias foi premiado no Festival de Sundance. No Festival de Berlim em 2010, foi premiado em duas categorias, o da Anistia Internacional e o público na mostra Panorama.
“His & Hers”
Foi em seu estúdio, no bairro do Brooklin, em Nova York, que o artista brasileiro Vik Muniz desenvolveu uma obra com origamis em prol das vítimas da tragérida que aconteceu no Japão.
visite: http://www.vikmuniz.net/
fote: wikipédia e http://www.vikmuniz.net/
Nicholas James Gentry é um artista britânico de Londres. Grande parte de sua produção artística foi gerado com o uso de artefatos materiais. Ele afirma que através deste processo de “artista de contribuinte, e visualizador de aproximar-se”. Sua arte é influenciada pelo desenvolvimento de consumismo, tecnologia e cibercultura na sociedade, com um foco diferenciado na mídia obsoleta.
Sua obra é usada, reciclagem e reutilização de objetos pessoais como um tema central. Essas obras artísticas de comentário social têm sido destaque em galerias no, Reino Unido, EUA e em cidades de todo o mundo. Seu trabalho tem sido exibido ao lado estabelecido, artistas de rua e, como tal, tem sido associada à arte urbana em Londres.
O inglês adotou os disquetes como seu meio, usando os discos como uma grade para criar “photo-fits”, construindo rostos imaginários e identidades que poderiam fazer conexões com as informações armazenadas nos discos.
“Eu peço às pessoas para doarem seus discos através de meu website, mas os consigo principalmente comprando” diz Gentry.
Veja mais: http://www.nickgentry.co.uk/artworks.html
fontes: Wikipédia e https://metodologiavisualdesign.wordpress.com/wp-admin/post-new.php
A arquitetura ORIGAMIC tende a ser cortado de uma única folha de papel, enquanto a maioria dos pop-ups envolve dois ou mais. Para criar a imagem tridimensional para fora da superfície bidimensional requer perícia semelhante ao de um arquiteto.
Tudo começou com o professor Masahiro Chatani, com cartões originais e únicos, a partir disso ele resolveu abrir a mente e começou a produzir coisas fantásticas.
Mas agora dou destaque a artista Ingrid Siliakus que é conhecida por suas esculturas abstratas tridimensionais e de edifícios mundialmente famosos. Seu trabalho, muitas vezes, é executado (cortado e dobrado) a partir de uma única folha de papel. Antes de o projeto final estiver concluída, algo como 20 a 30 (ás vezes até mais) protótipos são feitos. Quer dizer, isso tudo da muito trabalho, mas é recompensador o resultado final.
Conheça mais sobre a artista: http://ingrid-siliakus.exto.org/kunstwerken.html
Chad Michael Ward é um artista de 35 anos, é um designer gráfico, fotógrafo, diretor de cinema e vídeo. Sua obra é especializada nos gêneros de horror, surrealismo, e um toque de erotismo, e pode chocar, esse lado que ele escolheu, talvez não seja tão agradável para alguns, mas ele conseguiu prestigio, e deixou sua marca. É aclamado pela critica, seu trabalho abrange muitas coisas, como, fotografia, capas de livros, vídeo clipes, entre outros.
A produção para suas fotos ou vídeos, é detalhada, pois ele tenta tirar todo lado artístico, criativo e sensual do artista presente, usando coisas reais para o cenário, e dando um show na área gráfica, assim trazendo um trabalho de ótima qualidade.
As pessoas sabem apreciar algo bonito ou agradável, mas quando algo é assustador, repulsiva ou diferente, elas têm a tendencia em rejeitar o inusitado.
veja mais:
Confira seu trabalho: http://digitalapocalypse.com/
metodologiavisualdesign 
